Publication du livre Caribbean shadows pour les 25 ans de peinture

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Takako Tamagawa interview sur le millenium



Expo Ewotik au musée de St Martin Fev 2000

Faxinfo juillet 1999


G. Bjorkman à propos de l'expo Desk'ount St Maarten 1999


Jean François Pouce 1992, les 10 ans de peinture de Denis Thuleau.

Denis Thuleau has already spent ten of his 32 years as a painter. In fact, even longer, if we count all the Sundays when his father made him sit down at his own little easel because it was the only way the young Denis would leave him in peace to paint.After finishing high school, he spent a few months at Nanterre Architecture School, on the outskirts of Paris.

However, the teaching he received didn't impress him. He lived from odd jobs for a time, then left France to travel to Rome, Athens and Crete.After 1981, he returned to Paris to attend the Goetz-Daderian Academy, and became a line-engraver at the Pasnic Atelier, studying carborundum technique with Papart and Coignard. In 1984, he began work as a set designer for the choreographer Valérie Armande.

He met Lemercier and, impressed by his work, became his assistant until 1987.By then he needed a change of scene, so he packed up his canvasses and set off for New York, where he worked as the sculptor Mihai Popa's assistant. His next port of call was Montreal and his first exhibition. He returned to Paris, travelled in Japan and then became an assistant film set designer.The common theme of all these activities is of course painting. He had suddenly decided to become a painter in 1979. It was an almost solemn choice, and an irrevocable one ; one he took despite being fully aware of the attendant difficulties, and which he has stubbornly stuck by.

The idea had been gestating for a long time, no doubt sparked off by a television programme about Mathieu. When he needed to choose his direction in life, he realised that painting was the only thing he wanted to do. Other painters had started one day, why couldn't he ? Saying that you are a painter doesn't make you one, but it does affect your attitude.Having dared to take this first step, Thuleau felt a great sense of purpose.So, he set about his task. Not at all laboriously, but with a sort of calm absorption.If we consider his work from the early 1980's, it is already consistent stylistically and shows constant progression.Like many people, he started out using watercolours and vinyl, then moved on to Alkyd.

He felt that oils were too redolent of the past, and unsuitable for depicting the modern world. He also tried different surfaces : from paper he progressed to plexiglass, Forex - a type of expanded PVC -, galvanised steel and aluminium.But he was looking for more than the right surface. The works from this period are still very much paintings, flat, on paper covered with blocks of colour. But Thuleau wanted to get away from the flat plane and let his colours come to life in their own space.Having experimented with lino cuts, he moved more and more towards cut-out shapes and accumulated layers, paper on wood for instance. This was in 1985-86. He had suddenly found what he had been looking for in the early experiments.

His first pieces cut from Forex and metal date from this period.Then he started adding Alkyd paint to the shapes. The colours, lifted away from the background, seemed to almost float. And the background itself was not simply a base, but an integral part of the composition. These pieces approach sculpture, but remain essentially two-dimensional, an opposition of two flat surfaces.Thuleau's creative forces were unleashed. He had found the technique for which he had been searching.

Thuleau fills sketchbook upon sketchbook, wherever he goes, trying to capture his impressions. The atmosphere of a place, colours, feelings all combine to give birth to shapes. And at another time, perhaps months later, certain images or feelings make him reopen his sketchbooks. He may come back to the same sketches several times before beginning to group different shapes together, according to the feeling they represent. And, one day, something triggers the final composition and they appear as a concrete form.That final trigger remains a mystery to Thuleau.Once he has isolated a shape, he traces it straight from his sketchbook onto Forex, without further correction, and cuts it out with a jigsaw. He sands the normally-glossy forex until he is satisfied that he has softened its harsh appearance. Only then does he begun to paint.At first he lets chance dictate the colours. The different segments of colours add to the layered effect, giving a pure line and a depth that can never be achieved on canvas. Next, Thuleau creates the base. He uses steel, sometimes left raw and simply sanded, sometimes thinly coated in zinc and electrolysed to allow it to be painted. The type of base is dictated by the type of piece.Those on raw steel are limited editions (10 at most). The others are unique pieces. The former are often smaller and retain their fresh, harsh, spontaneity. The unique pieces are often large-format. They can take three or even six months to conceive and perfect. He works on several pieces at once.The long, patient battle with the raw materials is invisible in the finished, apparently effortless, work. The paint and the materials become one single image combining colours and shapes.Viewers often want to reach out and touch, at first. But that desire quickly disappears and they are content to simply look. Perhaps because the shapes, held in suspension above their base, make one think of totems or images created by lost, Central American civilisations.Comparisons and references, however, are of limited importance.

It is easy to see that Thuleau likes Matisse and Miro, but also Brancusi, Bacon and the grand master, Cézanne, as well as the pure line and complex detail of Inuit artefacts. But Thuleau's work is not overawed by such illustrious references. He has clearly chosen his own path. He avoids depicting ugliness, or his own anxieties, which he feels is too easy an option. He appeals to the heart, not the intellect of the viewer, offering pleasure and balance, not speeches or moral statements.

He doesn't dictate to the mind, but searches out deeper, more instinctive reactions. Some of his work could almost be discribed as mischievious, and bordering on the naive. Certain works ressemble animals, or mobiles and bear concrete names such as Aztec squirrel, Sea elephant, Night bird, Wave, Seahorse prints, Night fauna, etc.The memories of childhood are no doubt like memories of paradise lost. If we can recapture the richness of childhood, we recapture the golden age of paradise.Denis Thuleau has not opted for an easy path . By choosing to clarify and pare away anything superfluous, in order to show the depth within apparent simplicity, he forces himself to be concise.What beautiful conciseness.



A 32 ans, Denis Thuleau a déjà plus d'une dizaine d'années de peinture derrière lui. Et plus encore si l'on prend en compte le temps où son père l'installait le dimanche devant un chevalet pour lui-même pouvoir peindre tranquille.Après sa scolarité, il passe quelques mois à l'Ecole d'Architecture de Nanterre aux portes de Paris. Peu satisfait de ce que l'on y apprend, il s'en va, entre à l'Académie Goetz-Dadérian, vit d'expédients et fini par quitter la France pour Rome, Athènes, la Crète.Après 1981, il revient à Paris et devient taille-doucier à l'atelier Pasnic où il travaille surtout la technique au carborendum avec Goetz, Papart, Coignard, etc. Suivent à partir de 1984 des activités de décorateur pour la Compagnie de Danse Valérie Armande.La rencontre de Paul Lemercier, la découverte de son travail le conduisent dans l'atelier où il devient son assistant.Puis il part pour New-York, en 1987, ses toiles sous le bras pour changer d'air, pour voir ailleurs. Assistant du sculpteur Mihai Popa, il s'installe ensuite à Montréal pour y réaliser sa première exposition personnelle, puis revient à Paris, voyage au Japon et pour se nourrir, participe aux décors de films français.

Le fil conducteur de ces activités multiples est évidemment la peinture.La décision de peindre est chez lui nette, précise, datée, presque solennelle, dans la mesure où elle apparait irrévocable, têtue et consciente des difficultés à venir. Elle mûrissait depuis longtemps. (Une émission de télévision consacrée à Mathieu l'a sans doute déclenchée).En substance, Thuleau ne peut que constater. D'autres ont commencé un jour. Pourquoi ne pas oser, alors qu'un poids intérieur incline à enfin choisir ? L'acte est d'un singulière importance. Dire désormais je peins ne change encore rien et change tout. Il y a désormais un sillon à creuser.Thuleau s'est donc attelé à la tâche. Mais pas en laboureur laborieux. Avec une sorte de calme, absorbé par ce qu'il sent soudre.Depuis le début des années 1980, ses tableaux montrent une belle unité, et une évolution constante.Comme beaucoup, il a commencé à peindre à l'eau, au vinyl, puis est passé à l'Alkyd, rejetant la peinture à l'huile, pour lui trop liée au passé, mal charpentée pour représenter la réalité contemporaine. Les supports eux-aussi ont changé. Le papier a laissé la place au plexi, au forex - un PVC expansé - , au galvanisé et à l'aluminium.

Au vrai, la quête d'un support idéal s'ordonne à d'autres nécessités. Des peintures du début des années 80, on retient qu'elles sont avant tout et justement des peintures : sur support plan sur papier, couvert de grands à-plats. En les travaillant, Thuleau sentait que ses couleurs cherchaient à s'arracher de cette planéité, à quitter cette surface horizontale pour trouver leur espace propre.Son expérience de la linogravure le conduit alors à chercher du côté des découpes, des superpositions, les papiers collés sur bois, par exemple.Nous sommes en 1985-1986. Les recherches antérieures se cristallisent. Les premières formes en forex et métal datent de cette période, suivies de près par les peintures Alkyd sur les mêmes matériaux.En libérant ses couleurs d'une surface qui les retenait prisonnières, Thuleau leur donne à la fois la possibilité de bouger, de presque s'envoler et un fond, un arrière plan qui devient leur univers de respiration.

Mais pas seulement. Car lui-même prend aussi vit, accompage, conforte, devient aussi forme et non pas seulement support. De la peinture l'on s'approche de la sculpture, sans l'atteindre vraiment, chaque pièce se regardant de face pour découvrir sa réalité bidimensionnelle.Le processus de création trouve dans ce choix une échappée belle et une logique.Thuleau dessine sur des carnets de croquis, chez lui, ailleurs, en voyages. Pour une raison toute simple : garder en mémoire des impressions ressenties. L'atmosphère du lieu, les couleurs perçues, les sentiments du moment donnent des formes. Plus tard, quelques temps ou mois après, des images en tête, des sensations au coeur, il revient sur ses carnets. Plusieurs fois. Des familles de formes se regroupent, non pas nécessairement semblables par leur schéma, mais par leur esprit.Un jour entre le peintre et la forme, l'état intérieur de l'un et le contenu de l'autre, une osmose s'établit.Un déclic.Alors une lecture s'ébauche, puis se précise.Au déclenchement de ce mécanisme, Thuleau ne donne pas d'explication. Il est de l'ordre de l'aventure et d'une satisfaction intérieure, comme un flux qui trouve enfin sa voie.Les premiers instants laissent la place au hasard, profitant des accidents du pinceau. Puis tout se pose, s'unifie, à travers des à-plats de couleurs, qui parfois font eux-mêmes des strates distinctes les unes des autres. Alors apparait la valeur du découpage et de la mise en espace : précision et netteté donnent pureté et profondeur, toutes choses que ne sauraient donner la peinture au pinceau sur la toile.

Puis Thuleau s'occupe du fond. Désormais en acier, il est soit laissé brut, juste patiné, soit recouvert d'une péllicule de zinc par électrolyse pour recevoir la peinture.De ce long travail, il ne transparait rien. L'oeuvre ne porte pas les marques d'une bataille avec la matière. Au contraire, cette dernière est unie à la peinture dans un même projet de formes et de couleurs. Tout au moins donne-t-elle par son côté.Ce sentiment est fugace et laisse la place au plaisir du regard. Peut-être d'abord parce que ces formes décollées de leur support rappellent quelques figures de totem, voire des images de civilisations disparues d'Amérique Centrale. Mais là encore, ces similitudes apparaissent bientôt de peu d'importance. Thuleau, on le comprend très vite, aime Matisse, Miro, mais aussi Brancusi, Bacon, et le maître des maîtres Cèzanne, et encore les objets Inuit aux complexités si pures.A l'évidence Thuleau a choisi des voies particulières. Ainsi, évite-t-il avec soin la représentation de la laideur, et toute complaisance vis-à-vis de ses propres angoisses dont il lui semble qu'elles sont par trop facile à exprimer.Son ardeur se concentre sur d'autres objectifs. Offrir, donner pour laisser soudre au coeur de l'autre et partant de lui-même, un plaisir, un équilibre qui est l'inverse d'une destruction. Il ne s'agit surtout pas d'assèner un discours, de laisser l'intellect prendre le pas sur une réalité qui appelle d'autres frontières intérieures. Chacun peut s'étonner du caractère presque espiègle de certaines pièces.D'ailleurs ne sont-elles pas au bord de la figuration naïve ? Ne représentent-elles pas des animaux ou des sortes de mobiles légers ? N'ont-elles pas des noms rappelant parfois le réel : Ecureuil Aztèque, Eléphant de Mer, Oiseau de Nuit, Vague, Trace d'Hippocampe, Faune Nocture, etc ?

Le souvenir de l'enfance est sans doute comme le souvenir du paradis perdu. A retrouver les richesses de l'une, on retrouve l'or de l'autre.Denis Thuleau navigue dans des eaux difficiles. A vouloir clarifier, émonder l'inutile, représenter des profondeurs dans la simplicité, il s'oblige à la concision. Elle est aujourd'hui heureuse.

Jean François Pousse (journaliste à technique et architecture) 1992



Enrico Lunghi à propos de l'expo à la maison Beim Engel.